the Walkmen, interview (11/2002)

Je vous parlais de the Walkmen tantôt, que diriez-vous d'une capsule temporelle, nous ramenant à leur première tournée européenne ? Novembre 2002, Paris, jour de leur première date parisienne... interview réalisée pour le compte de Radio Campus Paris, dont j'ai retrouvé la retranscription au hasard d'une séance de rangement.

Alors bien sûr, relire plus de 20 ans après une interview qu'on a conduite, c'est prendre le risque de voir tous les ratés vous sauter au visage : la trivialité de certaines questions, l'absence d'autres, et les relances qu'on n'a pas formulées. Mais on peut aussi y trouver fraîcheur et spontanéité. C'est la raison pour laquelle je vous livre ici en l'état ces propos recueillis de Paul Maroon, Matt Barrick, Hamilton Leithauser (et Walter Martin)

This is your first European tour and tonight is the third date of the tour. How are you feeling?

Hamilton : Tired! We didn't sleep very well for the first couple of days, but we're catching up. We have toured a lot in the US, and a little bit in the UK and have only been in Europe for three days.

How receptive has the European audience been to your music so far?

Hamilton : We can judge by tonight because last night was awful.

Matt : Actually we were rejected from the French festival going on at the moment [ndlr : Le Festival Inrocks] because there is a rumour that we travel with 20 people, so that's why they didn't want us to come.

Regarding your shows, can you easily adapt your songs for live performances?

Hamilton: The piano is a lead instrument in a lot of our songs. We don't have one for this tour so we cut out a lot of songs. We can't play the piano songs and changed several parts to adapt.

So you never use a piano on stage ?

Paul : No, we have one in the US and we bought one for the UK tour. But you know, a piano is a big instrument, hard to deal with on tour and you can't rent them really. The one we have in the US is a small one, a 5 octave piano so we can lift it, it's manageable.

You’re originally from Washington D.C., but you all live in New York now. Why did you move there, and do you feel more like New Yorkers or Washingtonians?

Paul : We moved for school almost entirely over, we went to College and formed the band after. We had the desire to start to play together when we moved there. Hamilton and Matt are cousins, once our own bands broke up, we were all there, so we just stuck it out. It's hard being a band in NY. It's also a terrible place to study, you go to NY and you just go bananas, at least I did! You can't go home, there's always so many things to do.

You bought your own studio in Harlem — what made you decide to do that?

Matt : Actually it was 3 years ago and we built it ourselves [ndlr : Paul, Matt and Walter : ex Jonathan Fire* Eater ]. We wanted to keep playing music together but we weren't signed and didn't have a singer so we decided for some reason to build a studio. And once we built it, Hamilton's band [The Recoys] broke up. We had a singer so we used it. But we're not the only ones. Other bands from NY come and record in our studio, the French Kicks, the Kills ... It's also a business for us.

People often point out that it’s a 24-track analogue studio. Did you choose that setup because it was cheaper, or to get a specific sound and stand out in New York?

Paul: There's not a single record that I like that's not recorded on anything but a 24-track analogue. We don't understand computers, we don't like using them to record music. We like old records so we want our record to sound like that.

We talked earlier about other New York bands — what do you think of the new rock scene emerging from the city?

Paul: We started it!

Matt : Mostly Paul did...

Paul : We really feel part of it. All the other young bands are almost all friends of ours, we know and play with them. Except for The Strokes or some others.

Are many new bands genuinely emerging from New York at the moment, or is it simply the music press creating the impression that everything is happening there?

Matt : There are a lot more bands now than five years ago when we started Jonathan Fire* Eater; back then there were two or three bands which were popular and that was it.

Paul : Music in general was worse than today. Everything was terrible. All the bands were worse than we were. "D generation" was the big band, which is just a bunch of assholes, there wasn't even anything remotely interesting, the situation is the complete opposite today.

Are you able to make a living from music full time now?

Hamilton: It's getting more that way, but we can't totally live from our music. We definitely make more money now. I have a part time job, I work at the Metropolitan Museum of Art, everybody has part time jobs.

Walter: I work at the Medieval part of the Metropolitan Museum of Art.

Matt: I work at the museum of sex.

Paul : I work in a pharmaceutical company.

Paul, you said, “We don't have the ridiculous hype of Jonathan Fire* Eater [JF*E], and for that we are glad.” Why do you think hype can be bad for a band?

Paul : It may be good. It depends on what you're trying to do I guess. Our problem with JF*E was that we had no idea that we were supposed to have high goals, because we didn't have any but apparently the record company had very high expectations from us. And all the magazines expect you to go ahead and make them proud after they write about you. Many bands get a lot of articles written about them before they ever do anything, that's bad. Because you really get punished when you don't actually succeed. I think many bands are going to be punished soon, there's gonna be a lot of New York punishment and we're looking forward to it.

Would you say the start of The Walkmen was different from or similar to the start of Jonathan Fire* Eater?

Matt : There was a lot more media hype about JF*E but a lot more people seem to like the Walkmen, we sold a lot more records. The problem with JF*E was that nobody really liked us, except the media, because nobody was buying our record, it was just magazines thinking we were good.

How did the gigs go?

Matt : The gigs were pretty bad, except in NY and in London. And a very good show in Paris as well.

Do you have any idea why JF*E ended prematurely?

Paul : I know exactly what it was. We were just not getting along anymore.

We've heard that you've been approached by major labels. Can you tell us more?

Hamilton: They keep coming up to see us play live and they go away, and they'll come back. I think they hear that... They hear the hype, they want to check you out. And they want to see what the ones think, they won't take a risk. They just pace back and forth.

Paul : I honestly don't think they like our shows, our record is slow, you need to listen to its several times before you might even possibly like it. And those guys will no way listen to it more than once. So I don't think it makes sense listening to them.

Concerning the future, what are the plans for the Walkmen?

Paul : The funeral?!

Second album planned?

Hamilton : We are maybe a third of the way down to the next album, maybe.

Concerning the Recoys album ? recorded before we broke up.

Hamilton : We have never released an album, we're just going to put out on a record all the songs we had

the Walkmen, interview enregistrée à la boule noire, le 12 novembre 2002,

pour Radio Campus Paris

L'injonction de trop

Intéressante interview de Josselin / Taulard, parue dans le fanzine Groupie, et retranscrite sur le blog du groupe. J'en extrais une unique question/réponse.

Tu as raconté que tu étais destiné à être prof ou instit, mais que l’appel du large a été plus fort, le large de la société. Comment te sens tu dans notre société actuelle ? Il y a quelque chose de politique chez toi, mais plutôt dans le non-dit, dans l’implicite plutôt que l’explicite, est-ce que l’engagement est important pour toi ?

Je trouve la société actuelle merdique et la période actuelle particulièrement anxiogène. L'hypocrisie de ceux qui dirigent est répugnante, les gens se font traiter de collabos après avoir participé à une manifestation antiraciste contre l'islamophobie, la liberté d'expression est à géométrie variable, adulée pour justifier le racisme mais réprimée quand elle dénonce Macron et les violences policières. Rajouté à ça le Covid qui nous a isolés, c'est difficile de ne pas déprimer. Plus personnellement, et comme je le dis dans une chanson, j'ai le sentiment d'avoir été formaté, par mon éducation, par l'école ; et malgré l'envie de vivre en dehors de la société actuelle marchande et mes quelques tentatives, il m'est difficile de sortir de ce formatage et de cette injonction à réussir, à trouver un taf et à faire quelque chose de ma vie. C'est ce qui me pousse à m'inscrire à des formations dans lesquelles je me sens moyennement à l'aise, mais c'est aussi ce qui me fait détester les lundis quand je suis au chômage à la maison et que j'ai l'impression de tourner en rond. C'est un équilibre qui est difficile à trouver et j'ai encore deux, trois trucs à cerner pour l'obtenir. J'ai démissionné il y a quelques années de l'éducation nationale parce que d'une part je n'étais pas convaincu parce que je faisais, d'autre part, on me demandait de déménager en Essonne et c'était l'injonction de trop qui ne faisait aucun sens, celle de privilégier le boulot à la santé mentale, à la vie sociale, aux efforts fournis à se construire quelque part.

The violent throes of depression

Cat Power, de retour début octobre avec un dixième album, en interview dans le New York Times

When Chan Marshall, the singer and songwriter best known as Cat Power, got pregnant in 2014, she considered drastically changing her life. For nearly a quarter of a century she had made the road her home, fighting the never-ending war of a career as an independent musician, exposing her emotional turmoil, night after night, for supportive but demanding audiences.

Suddenly, she was having a child, and it felt like winning the lottery. “I’ll just go to Australia and I’ll start over,” she thought. “Who doesn’t want a simple life?” She even found a whiskey bar there, more than 10,000 miles away, that agreed to hire her as a bartender.

That vision of quiet isolation and anonymity mirrored one she’d had as a younger person in the violent throes of depression: moving to a tiny desert town, changing her name to Beth, wearing dresses, having short hair. She had dreamed of eight children — four biological and four adopted — plus animals and a garden. At her lowest, “that was my little switch,” she said, “my fantasy.”

Cat Power Has a Lot to Be Proud Of. Now She Knows That.

(Joe Coscarelli, in the New York Times)

https://www.nytimes.com/2018/09/20/arts/music/cat-power-wanderer.html

Chan et son fils, sur la pochette du single "Wanderer"

Ci-gît RIEN, et rien d'autre

... C'est l'épitaphe choisie par RIEN, ce groupe grenoblois regretté, rendue publique à la veille de leur ultime concert, le 1er décembre 2014. J'étais quant à moi à leur dernier concert parisien, 3 jours auparavant à la Maroquinerie. C'était mon douzième concert (depuis 2002), c'était leur 15ème année.

Souvent, je pense à Rien.

Encore aujourd'hui.

Je profite de cette date quasi-anniversaire et de ces fêtes pour publier sur youtube ce vieux clip perdu de "Stare Mesto", retrouvé sur un CD-ROM poussiéreux.

Il s'agit d'une version du morceau tel qu'il était en 2001, instrumental

(avant que Jull n'y pose sa voix, comme vous pouvez l'entendre dans l'album "Requiem pour des Baroqueux")

Joint par e-mail, yugo solo a même répondu à quelques questions.
Merci à lui. (de rien).
Et bonnes fêtes à tous !

RIEN, Stare Mesto (early version)
(Amicale Underground, 2001)

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Où en était le groupe au moment où cette version de Stare Mesto est parue ?

yugo solo: On est en 2001... on a tous entre 21 et 24 ans comme en attestent nos bouilles. c'est la deuxième année d'existence de RIEN. Aka, notre batteur était alors exilé pour 2 ans sur Limoges et on l'avait remplacé par une boîte à rythme jouée par ce fameux soft qu'était Rebirth... d’autres temps mon bon monsieur... Aka revient en 2002 et on enregistrera le morceau dans sa version album en décembre 2002 en remplaçant la drum machine par de la batterie jouée par Aka.

Ce clip, c'est un peu la madeleine de mes années à Grenoble. On y voit la Bastille, les 3 tours, le vieux centre, des références à Radio Campus Grenoble... Il y a une histoire dans laquelle on retrouve votre goût pour les choses structurées... Quelle a été sa genèse ?

yugo solo: oui, le clip ressemble à s'y méprendre à un mauvais spot publicitaire pour la ville de Grenoble... C'était une époque où goulag et moi même, ainsi que dans une moindre mesure Dos.3 étaient investis dans Radio Campus Grenoble. A la Radio on s'est liés d’amitié avec d'autres personnes et un "proto collectif artistique amateur" est né.. ce collectif a donné naissance au premier clip de RIEN qui fut aussi le dernier, et à une pièce de théâtre qui fut aussi la dernière. Mais on a tous de bons souvenirs de ce temps là.. chaque ‘oeuvre’ se voulait définitive.. et elles le furent :)

J'ai longtemps trouvé que votre musique ne ressemblait qu'à Rien (et donc à rien de connu), jusqu'à ce jour où j'ai réécouté 'the Argument' de Fugazi, et où je me suis dit que peut-être vous étiez cousins éloignés. Ce groupe te parle, ou pas plus que ça ? De ta réponse, dépend l'emplacement de vos albums dans ma discothèque...

yugo solo: well spotted dood! The Argument de Fugazi sorti en 2001 est définitivement un grand disque, je pense qu’il parle peut être plus à Goulag et moi qu’à Dos. 3 et Aka… Je ne dirais donc pas que c'est l'unique ou principale influence du groupe RIEN, mais le jeu des 2 guitares et l'ambiance générale de ce disque a résonné à l'époque avec ce que nous essayions de développer de notre côté, dans cette cave située rue Génissieu.. le fait que chaque guitare évolue librement et que l'une joue une mélodie l'autre son contrechamp est quelque chose qui nous a toujours plu (plutôt que d'avoir une en accord, une en solo...)

Un autre disque qui nous a profondément marqué à l'époque c'est le ‘Melody of Certain Damaged Lemons’ de Blonde Redhead, je ne crois pas me  tromper en disant que tous les membres de RIEN l'ont écouté.. même Francis Fruits arrivé plus tard dans le groupe.

Mon superbe T-Shirt jaune de RIEN (1999-2014) annonçant la mort programmée du groupe claque toujours, mais, maintenant que la date est révolue, il suscite moins de perplexité. Je le déplore. Avec deux années de recul, 2014, c'était la bonne année pour raccrocher ?

yugo solo: je pense oui.

Et toi? Quels projets musicaux t'animent en ce moment ?

yugo solo: on finit le quatrième disque de Jull avec l’ami Dos.3 et toujours Fred ‘Brain’ Monestier (lui aussi rencontré à Radio Campus Grenoble) à la technique. Cela devrait sortir au printemps, et je trouve le résultat "pas dégueu" comme dirait l'ami Jull... Un autre projet composé de Rescue et moi-même nommé 'Otto Ritta' sortira un EP sur Rock To The Beat en Janvier. C'est plus orienté "piste de danse"... et d'autres projets sont à venir.. mais chaque chose en son temps.

Ça commencera comme ça, par une indiscipline

Dans une chronique intitulée "Chère Fleur Pellerin" (Libération du 14/11), Christine Angot s'adresse à la Ministre de la Culture, qui avait concédé il y a peu "n'[avoir] pas du tout le temps de lire depuis deux ans." Elle y cite de larges passages d'une interview de Marguerite Duras datant de 1985. 

La prose est belle, Marguerite Duras conjugue sa vision de l'Homme au futur, avec un phrasé me rappelant les affirmations poétiques d'Alexandre dans "La Maman et la Putain"

("Vous savez, le monde sera sauvé par les enfants, les soldats et les fous")

Je retranscris ici ses propos dans leur intégralité. L'auteure répondait à l'interrogation suivante : "Les hommes ont toujours eu besoin de réponses, même si un jour elles s'avèrent fausses ou seulement provisoires. Alors en l'an 2000, où seront les réponses ?"

"Il n'y aura plus que ça, la demande sera telle qu'il n'y aura plus que des réponses, tous les textes seront des réponses en somme. Je crois que l'homme sera littéralement noyé dans l'information, dans une information constante. Sur son corps, sur son devenir corporel, sur sa santé, sur sa vie familiale, sur son salaire, sur son loisir. C'est pas loin du cauchemar.

Il n'y aura plus personne pour lire. Ils verront de la télévision, on aura des postes partout, dans la cuisine, dans les water closets, dans les bureaux, dans les rues... Où sera-t-on ? Tandis qu'on regarde la télévision où est-on ? On n'est pas seul. On ne voyagera plus, ce ne sera plus la peine de voyager. Quand on peut faire le tour du monde en huit jours ou quinze jours, pourquoi le faire ? Dans le voyage il y a le temps du voyage. C'est pas voir vite, c'est voir et vivre en même temps. Vivre du voyage, ça ne sera plus possible. Tout sera bouché. Tout sera investi.

Il restera la mer quand même. Les océans. Et puis la lecture. Les gens vont redécouvrir ça. Un homme un jour lira. Tout recommencera. On repassera par la gratuité. C'est à dire que les réponses à ce moment-là, elles seront moins écoutées. Ça commencera comme ça, par une indiscipline, un risque pris par l'homme envers lui-même. Un jour il sera seul de nouveau avec son malheur, et son bonheur, mais qui lui viendront de lui-même.

Peut-être que ceux qui se tireront de ce pas seront les héros de l'avenir, c'est très possible. Espérons qu'il y en aura encore.

Je me souviens avoir lu dans le livre d'un auteur allemand de l'entre-deux-guerres, je me souviens du titre, "Le dernier civil", de Ernst Glaeser, ça, j'avais lu ça, que lorsque la liberté aurait déserté le monde, il resterait toujours un homme pour en rêver.

Je crois... Je crois que c'est déjà commencé même."

I'd wager my boots on it - a Cassie Berman interview

Le point de départ de l'interview de Coming Soon que je publiais un peu plus tôt était la participation de Cassie Berman à l'un des titres de leur nouvel album.

Quant aux motivations premières : Curiosité artistique, mais aussi une simple envie d'avoir des nouvelles de Silver Jews, silencieux depuis 2009.

Consécutivement à nos premiers échanges, Howard Hugues (de Coming Soon, hein, vous suivez) m'a fait la bonne surprise de pousser quelques questions à l'attention de Cassie Berman.

Et voici ses réponses (sur un ton assez badin)

So, what's with music, currently in your life ?

David and I live in a four bedroom house. It’s just us and our dog, so we each get our own room to be whatever we want in. I call my room the teenager room, because it is filled with all my favorite things and has a little pink bed. Whenever I find myself lonely, or brave feeling, or missing music, or I have a beat in my head, or I want to learn a Tammy Wynette song, I hang out in my teenager room. There I strum an old, out of tune guitar, jot down ideas, thumb through ancient books of Chinese poetry, punk photography and other oddities, sometimes plug in my bass to make a drone, etc. I sing to myself while doing any or all of those things, and if it’s good enough to remember, it becomes a song of sorts. I haven’t really done anything with these songs…But I have a name for them: “Sullen Juvenalia.”

David, Cassie... et leur chien, donc (Pochette du Tennessee EP, 2001)

Anything recorded yet?

Yes! Thanks to my dear brother, Joseph and his friend Elio. Like I said, I have no ambition for my songs to be heard. But if you make music all by yourself with no time constraint and no technological know-how, what ends up happening is that you pour out your heart. I played a few songs I’d written for Joseph, and he could not believe he was the only person in the world to hear them besides my dog. My brother is an amazing musician who lives in Boston, and he has all kinds of talented friends. Joseph arranged a session for me in Boston with our friend, Elio DeLuca, who runs The Soul Shop, an insanely awesome, all-analog studio. In one day Elio and Joseph managed to convince me that the 5 songs I brought were the greatest thing I could do. It was just me playing by myself, on a guitar my brother picked up in the junk shop a week before, and singing as quietly as I wanted to due to the fantastic mice. In the end, my songs sounded just like I’d dreamt them to sound. We were all really proud of the work. Then I went back to Nashville and completely chickened out of playing them for anyone else...

By the way, when did you join the band?

Which band : Aerial M, Hallelujah the Hills, Silver Jews, Coming Soon or Led Zeppelin?

David Pajo et Cassie - alors - Marrett lors d'une Peel Session d'Aerial M
le 3 mars 1998

What's about this collaboration with Coming Soon?

I adored working with Coming Soon! I’ve loved Coming Soon from the first recordings, but have never seen the group play live. Howard and I became fast friends in 2006, when the Silver Jews played Paris for the first time, and he’s been kind enough to supply me with regular doses of new Coming Soon music ever since. Their records have brought me tons of joy, and yet, here I am in Nashville, TN, and there they are in Paris, France. In other words, our paths don’t cross much. So the opportunity to collaborate with a group that was very real in sound, yet with musicians who were mostly imaginary to me was a fun concept. I suspect this may be what Barbra Streisand felt like when she got the call to record with the Bee Gees.

How did you work together?

I pretended I was in a tiny, tiny room with Coming Soon playing super loud. Then I dipped my mouth into tropical water on the Gulf of Mexico and sang a few notes. Coming Soon was there on the beach in France to catch the notes. They put them in a jar, carried the jar back to the studio and made my voice part of the band in the tiny, tiny room.

Last but inevitable question: will the Joos record/play live ever again?
I'd wager my boots on it.

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Wager (wagered, wagered) : v.t., parier.

On termine cette interview sur une note pleine de promesses !

Merci encore à Howard Hugues, et puis, pour poursuivre sur ma lancée, peut-être que je prendrai le temps de retranscrire l'interview de David Berman quasi-inédite que j'avais réalisée  en 2006.

Ceci dit, chers lect-eurs/-rices potentiellement insensibles à la musique de Silver Jews, rassurez-vous, Arise Therefore gardera dans les jours à venir la même variété de sujets.

Natural Bridge / une interview de Coming Soon

On a vu ces jeunes musiciens anneciens démarrer dans le courant de l'année 2007 et exceller dans une mouvance (anti-)folk-rock. Je garde d'ailleurs un très bon souvenir de la soirée Coming Soon + Stanley Brinks + the Wave Pictures en 2008 au Café de la Danse.

Leur nouvel album, Tiger Meets Lion, en écoute ici, paraît ce jour... le groupe a parcouru du chemin, et leur son prend désormais les habits d'une pop protéiforme multicolore. Lorsque j'ai eu ce disque pour la première fois entre les mains, la première chose à avoir attiré mon regard (hormis la pochette) est un discret " feat. Cassie Berman " au beau milieu de la tracklist.

Cassie Berman est l'épouse de David Berman, et l'a accompagné sur les dernières années de ce groupe que j'apprécie au plus haut point : Silver Jews. Si vous faîtes parti de mes lecteurs historiques, vous savez que j'ai beaucoup parlé du groupe dans ces colonnes, que ce soit pour citer ses textes, placer trois de leurs albums dans des tops décennaux, ou raconter leur fin (c'était en 2009).

L'occasion était trop belle, et puisque Coming Soon et moi-même semblions partager des affinités musicales, il me fallait leur proposer une interview thématique, et demander des nouvelles de ce cher David Berman.

Aux réponses :
Ben Lupus (à gauche sur la photo) et Howard Hugues (au centre)
Interview (Part. 1, ai-je envie de dire)

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Musicalement, comment êtes-vous venus à Silver Jews ? "Directement"? Ou en suivant la piste Stephen Malkmus, par exemple?

Howard : Nous avons découvert très tôt dans notre formation la musique des Silver Jews. Nous avons eu une fascination immédiate pour le label Drag City et ses artistes principaux Bonnie Prince Billie, Bill Callahan/Smog et les Silver Jews. Pour nous ces groupes sont des influences majeures et ils représentent le mieux la scène qu'on a appelé Indie Rock.

Ben : On a découvert les Silver Jews via l'antifolk, quand on a commencé à chercher d'où venait cette musique. Et forcément on est tombé sur la musique indé et lo-fi américaine des années 90, sur K records, et Drag City. Personnellement, les Silver Jews ça a été le coup de foudre immédiat, comme Smog ; j'ai mis plus de temps à devenir fou de Pavement, mais ça a fini par arriver ! Donc on peut dire que j'ai plutôt trouvé Malkmus en suivant la piste Silver Jews...

C'était très excitant de découvrir tous ces groupes, même avec dix ans de retard, ça a énormément influencé notre son au début, toute notre esthétique, et même notre façon de travailler - et bien sûr, ça recoupait plein de choses qu'on aimait, musicales ou extra-musicales, comme le cinéma de Harmony Korine ou les comic books underground. Pour moi, ça et la découverte de la musique électronique, avec Godspeed en trait d'union, ce sont les deux moments les plus décisifs de mon éducation musicale.

Question d’initiés : Quel est votre album préféré ? (perso : Natural Bridge, puis American Water / Natural Bridge) A moins que vous préfériez citer une chanson?

Ben : Difficile d'en choisir un... Pour ma part je pense que ce serait "The Natural Bridge", parce que c'est celui que j'ai le plus souvent écouté (d'ailleurs c'est probablement le disque que j'ai le plus écouté de toute ma vie), et celui vers lequel je retourne sans cesse. Je connais tous les mots par cœur, et pourtant je suis toujours surpris par la qualité, l'intelligence de l'écriture. "Pretty Eyes", ça me bouleverse à chaque fois. Bright Flight est presque à égalité, j'adore les arrangements. C'est avec ce disque que j'ai vraiment eu envie de découvrir la country music - ça donne un regard un peu biaisé sur ce genre musical, mais je trouve que c'est une bonne porte d'entrée. Je me suis chanté "Horseleg Swastikas" des centaines de fois, tout seul dans ma chambre avec ma guitare ! Et puis une ligne comme "We're gonna live in Nashville and I'll make a career / Out of writing sad songs and getting paid by the tears", ça résonne énormément quand tu as choisi de faire de la musique ton métier. Ça résume bien le mélange de noblesse et de ridicule de l'entertainment. Et puis il y aussi cette façon d'évoquer le divin (le disque s'ouvre sur "When God was young, he made the wind and the sun / Since then, it's been a slow education"), qui est un fil rouge qui relie tous les disques des SJ, et qui à ma connaissance n'a pas vraiment d'équivalent dans la pop culture. C'est d'autant plus touchant quand on connaît un peu la vie de David Berman. Pour moi, c'est aussi ce qui confère aux SJ un statut si particulier.

Avez-vous rencontré les Joos ?

Ben : Pour ma part je ne les ai jamais rencontrés, et une suite de malheureux contre-temps a même fait que je les ai ratés lors de leurs deux seules tournées en Europe. C'est vraiment quelque chose que je regrette.

Howard : J’ai eu la chance de les voir jouer une première fois au festival MO'FO à Saint-Ouen (c'était en 2006 je crois), et de rencontrer David Berman dans les loges. On a un peu discuté, il essayait de parler le moins possible avant de jouer pour avoir des choses à raconter sur scène ! Mais la vraie rencontre avec eux a eu lieu en 2008 lors de leur dernier concert à Paris au Point Ephémère. Entre temps, je leurs avais envoyé notre musique et ils m'ont appelé la veille de leur concert pour me dire qu’on pourrait passer du temps ensemble quand ils arriveraient le lendemain à Paris. On a passé une journée inoubliable à discuter de la musique, de la vie à Paris et Nashville, du projet de David d'écrire un livre sur son père (le terrifiant Richard Berman, surnommé Dr Evil par les médias américains). Le soir, ils nous ont même dédié une chanson sur scène, c'était la consécration !

Google m'apprend que pour votre album Ghost Train Tragedy, vous avez demandé un dessin à David Berman. Vous m'en dites plus ?

Howard : Le dessin représente sept petites tombes (nous étions sept à l’époque) qui sont peut-être les victimes de l’accident du train fantôme qui nous avait inspiré pour notre deuxième album.

Pour votre nouvel album (Tiger meets Lion), comment vous est venue l’idée d'une participation de Cassie Berman ? Et pratiquement, comment ça s’est déroulé ?

Ben : Jusqu'ici, en dehors de notre tout premier EP, on a toujours eu des choeurs féminins sur nos albums. Comme le groupe s'est désormais resserré sur 5 garçons, on voulait garder une petite touche de féminité sur un titre. On a tout de suite pensé à Cassie, et Radio Broke a été imaginée un peu pour elle, même si au départ l'idée du duo n'était pas très claire - et on ne savait pas si elle accepterait ou comment cela pourrait se concrétiser.

Malheureusement, on n'a pas pu avoir Cassie avec nous en studio. Elle a enregistré sa prise de voix à Nashville, dans le studio d'un ami, en suivant les indications de notre producteur, Scott Colburn. Elle nous a envoyé plusieurs propositions, et Scott a fait son choix.

Silver Jews a donné son dernier concert en Janvier 2009, et David Berman a pris la décision d’arrêter de faire de la musique. Ca fait donc 5 ans. Je suis obligé de vous demander : Vous avez des nouvelles?

Howard : Ils vont tous les deux très bien. Je crois que David travaille toujours sur son livre et ne compte pas reprendre la musique pour l’instant, et Cassie travaille dans une radio country à Nashville et écrit ses propres chansons.

Je citais plus haut mes albums préférés de Silver Jews... En négatif, se dessine le fait que j'adhère moins au son des deux derniers. En terme de trajectoire, et vu de loin, je trouve qu'on pourrait établir un parallèle entre les évolutions de Will Oldham, Cat Power, Songs : Ohia, Darren Hayman, Herman Düne [André mis à part]. Mais ce serait trop long... et hors sujet. En tant qu'amateurs ET créateurs de musique, quel(le) regard/réflexion portez-vous sur le sujet de l'évolution musicale d'un groupe ? Ou disons de Coming Soon? D'autant que le son de votre nouvel album est quand même sacrément éloigné de celui des débuts...

Ben : Pour tous les groupes que tu cites, j'ai l'impression que la trajectoire en question est celle d'un son lo-fi vers quelque chose de mieux produit. Et il me semble que beaucoup de gens ressentent la même chose que toi (et certains même assez violemment, comme une trahison). Mais en même temps, je trouve toujours douteuse la volonté de faire du lo-fi pour du lo-fi, ou de reproduire à l'infini la même formule. En tant que musicien, c'est normal de vouloir présenter ta musique au public de la meilleure façon - et ça passe par une production soignée autant que possible. Et encore plus quand tu es également producteur de ton travail : quand tu paies pour du temps de studio, tu es content que ton album ne sonne pas tout pourri !

Les premiers enregistrements d'un groupe sont la plupart du temps soumis à tout un tas de contraintes et de restrictions, et c'est la façon de gérer celles-ci, de ne pas se laisser freiner par elles, qui ont fait l'originalité de l'indie rock US des années 90. Nous-mêmes, quand on a commencé, on n'avait même pas un quatre pistes, on enregistrait avec un micro de MD et on se plaçait dans la pièce à des distances différentes pour créer un semblant de mix... Forcément, ce genre de contraintes influent sur ta musique : tu auras plutôt tendance à utiliser des guitares acoustiques par exemple, et on te cataloguera plus facilement comme artiste folk. C'est sûr qu'on a parcouru du chemin depuis, puisqu'on a passé presque un mois en studio pour le nouvel album, à expérimenter avec des synthés et des boîtes à rythme, à essayer différents traitements de voix. Et je suis sûr qu'il y aura des gens pour critiquer la production de cet album, mais pour nous, on a jamais été aussi proche, avec un enregistrement, de notre musique telle qu'on la rêve. Et puis, il faut pas trop fantasmer non plus, le studio ça reste toujours du bricolage, de la bidouille. En plus, avec le développement du home-studio, la notion de lo-fi est devenue très floue, et un peu galvaudée : il y a un effet "lo-fi" sur mon sampler, censé reproduire une qualité d'échantillonnage médiocre ! Ca veut plus dire grand chose...

Pour revenir aux SJ, c'est vraiment une question de production, parce que les chansons sont toujours aussi bonnes : "Punks In The Beerlight", c'est un vrai tube, et "My Pillow Is The Threshold" c'est une des chansons les plus bouleversantes de David Berman, non ? Ce n'est pas souvent le cas, sur l'ensemble d'une carrière : il y a forcément des hauts et des bas. J'ai beaucoup de mal à m'intéresser aux nouveaux disques de Will Oldham par exemple, j'ai un peu laissé tomber à partir de The Wonder Show Of The World, alors que Lie Down In The Light c'est encore un highlight (c'est produit par Scott, et ça s'entend : il y a une approche très moderne, un vrai travail de textures, alors que c'est un album assez dépouillé et 100% folk). C'est aussi pour ça que j'admire des groupes comme Phoenix ou Animal Collective, capables de renouveler leur musique à chaque album, d'ouvrir de nouvelles voies, et de continuer à bâtir une identité. Ce genre de démarche, c'est terriblement motivant, ça ouvre de nouvelles perspectives, et c'est sûr que ça nous a beaucoup influencé dans notre propre évolution : on aurait pu faire un album semblables au précédent, mais on essaye d'éviter le piège de l'artisan appliqué à reproduire le même truc, on essaie de se mettre en danger. Travailler sur la B.O. d'une pièce de théâtre nous a beaucoup encouragé en ce sens, en nous libérant du format chanson ou des contraintes liées à un album. Ça nous a permis de tenter des choses plus expérimentales, et ça nous a aussi aidé à comprendre la façon dont on voulait intégrer l'électronique à notre musique.

Dans les groupes que je cite, il y a effectivement une trajectoire Lo-Fi to Hi-Fi (ou disons vers une production plus poussée). Je n'avais pas inclus Smog, parce que même si sa musique me touche moins maintenant (par rapport au sommet "The Doctor Came at Dawn"), j'aime toujours ses disques.

Pour lui, comme pour d'autres, je remarque aussi qu'il y a une progression notable au niveau du chant. Aujourd'hui, Chan Marshall  fait ce qu'elle veut avec sa voix, et la pose tout de suite à la note voulue. Will Oldham chante désormais beaucoup mieux...

Dernier angle possible pour analyser ces trajectoires (et c'est celui que je m'explique le moins) : le retour à une musique plus "traditionnelle". Exemple frappant : Will Oldham, justement, fan à ses début de groupes punk (ce qui pour moi a joué sur le son "Palace"). Du coup, son Best Of Palace, repris en mode country est juste horrible.

Ben : Je suis d'accord avec toi, au-delà d'une production plus propre, c'est vrai qu'il y a aussi ces deux tendances. D'un côté une évolution en tant que performer, ou que musicien - et ça je le comprends très bien, puisque nous-mêmes on en a fait l'expérience, on est devenu techniquement meilleur qu'avant, on a appris à jouer de nos instruments ensemble et élargi nos possibilités : je pense qu'on appartient, comme les artistes dont on parlait, à un courant ou une tradition musicale qui considère qu'il n'y a pas besoin d'être un musicien virtuose pour produire une musique digne d'intérêt. Mais c'est clair qu'au fil du temps, quand tu passes tes journées à composer et à chercher des trucs, à jouer avec tes potes, tu finis par devenir un peu plus musicien, même si tu n'as jamais appris tes gammes ou mis les pieds dans un conservatoire. Et, encore une fois c'est personnel, mais moi ça me semble très excitant cette évolution, parce qu'il y a une petite frustration qui doucement s'émousse, même si je préfère toujours le minimalisme et suis plutôt gêné par les démonstrations de virtuosité.

Et puis, dans le cas des artistes à tendance folk, il y a aussi, en effet, comme autre tendance, ce retour à une musique traditionnelle (presque une réconciliation si l'on considère que la grande originalité de cette scène dans les années 90, c'était justement la façon de distordre les codes de l'americana) : c'est vrai pour Bonnie Prince Billy (même si contrairement à toi j'apprécie le Best Of Palace, dans lequel je crois quand même discerner une certaine déviance par rapport à l'orthodoxie country... Ça vient peut-être des clips d'Harmony Korine!), mais ça marche aussi pour Bill Callahan par exemple. Difficile du coup de ne pas y voir un truc de génération, et d'attendre un peu la suivante : ce qui faisait en partie le charme de cette scène indie, ou de l'antifolk, c'était justement cette attitude de réaction face au folk chiant des aînés, face aux boy-scouts avec leurs guitares en bois. D'ailleurs c'est ce qui nous a fait flipper quand il y a eu le grand retour de la mode folk, qui a coïncidé avec la sortie de notre premier album, et dont on a pas mal bénéficié par ailleurs : c'est la rapidité avec laquelle le folk premier degré a rappliqué, cuisiné à toutes les sauces, avec ses biches, sa panoplie boisée et ses lutins. Alors forcément après ça, les synthés, la réhabilitation des années 80, ça a fait du bien ! Et ça + le hip-hop, ça nous a ouvert des chemins vers le r'n'b.. Mais je m'égare un peu...

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*      *

Fin de cette interview. La discussion aurait sans doute pu se prolonger longtemps !

Merci à Ben Lupus et Howard Hugues, de Coming Soon.

Le plus incroyable dans cette histoire, c'est que ça n'est pas fini...

Car grâce à Howard, vous pourrez lire ici en début de semaine prochaines quelques mots de Cassie Berman (ce qu'on peut en toute nuance appeler une exclusivité planétaire ;-)

comingsoonofficial.bandcamp.com/

benlupus.tumblr.com

Coming Soon sera en concert le Mardi 6 mai au 104

Arcade Fire en interview

Puisqu'il est de saison de parler d'Arcade Fire (ils se produisaient vendredi dernier sous le nom the Reflektors au Pavillon Baltard à Nogent-sur-Marne), j'exhume de mes archives une interview de Win Bulter et Régine Chassagne enregistrée fin 2004 (ou début 2005?), soit il y a 9 ans - ce genre de calcul est toujours impressionnant. L'album "Funeral" venait de paraître et le groupe devait donner quelques semaines plus tard un mémorable premier concert en France

(le 10 mars 2005 au Nouveau Casino)

C'était donc les débuts du groupe ("on n'a pas encore de manager" précise Régine en introduction), et nous faisions alors connaissance avec eux. L'entretien s'est déroulé dans l'atmosphère chaleureuse d'un petit hôtel parisien.

Après montage (et "mise en musique"), elle fut diffusée dans la foulée sur Radio Campus Paris (feu l'émission Plug and Play). Je l'ai uploadée sur soundcloud, et donc la voici en l'état (*) !

On parle littérature, musique, langue française et souvenirs...

(*) Je réalise aujourd'hui qu'il manque le dernier mot dans la version que j'ai conservée (je n'ai plus les rushes, malheureusement). C'est impardonnable!

D'autant que c'était la chute de l'interview, qui se retrouve tronquée :

To me, what's really cool with the state of music today is that no one really has an excuse to buy a crap a[lbum]

- - -

Fond sonore :

All of the World, 13 Floor's 11 Followers

What is an object? What is a thing?

What is an object?
What is a thing?
Something that I sweat for.
A thing I think and think
about
A sound that reflects an
object, an object that
reflects itself, a repetition
A reflection
Paper, ink, petroleum,
REPEAT.

What is production?
Mass produced, massively
productive, products on
a massive scale.
My hands.
A symbol.
defeat
or
triumph.
DEFECTIVE.
Handmade space.
A home erected for an object.

A record needs a home, a
sound needs a place to go.
Something that I've touched,
an object that you touch,
HEAR.
An objection,
A question I raise,
an institution (label) has
no function anymore.
A sound still needs a home.
An object needs space.
An object serves its purpose,
The sound remains,
objective space.

- B. Torst, n.d.

Ce texte figure à l'intérieur du chouette packaging du nouvel album de No Age - An object

(Sub Pop, 2013).

*

*      *

A propos du packaging, le groupe s'exprimait récemment en ces termes, interviewé par Pitchfork

Pitchfork: You decided to take this record into your own hands by manufacturing as much of every CD and LP as possible. How did that happen?

DS: I don’t sit around and play music on guitar or drums around my house. To me, music is a medium that I chose-- or chose me, maybe-- to express myself. After "Everything in Between", we were trying to write, and it was going nowhere. I started thinking about how to make a record and why I wasn’t able to make a record and why I wanted to make a record. It was a starting point for me.

RR: I said, “You’re crazy. I don’t want to fold a bunch of fucking records.”

DS: We kept talking about it, and eventually, Randy said, “Hell yeah, let’s do it.” We started writing music a little bit and recording it, and it went a lot faster after that.

Pitchfork: What did Sub Pop say?

RR: “You’re crazy!”

DS: Just like every record we’ve done, at first, they say, “Why do you guys want to make it so difficult?” The original idea was to make an unlimited edition, and we would continue to produce them until the end of time. But that would mean that if we were on tour, or something happened, we wouldn’t be able to produce the record, and it wouldn’t be in stores. But Sub Pop is in the business of selling records, so they’re not really into conceptual ideas of how to fuck with records as an object. So we decided to do a limited edition of 5,000 LPs and 5,000 CDs, which, in any sense, is not that limited. I wanted the number to be absurd, because the point was to see if we were able to do this thing. And we did it.

We physically made everything, cut everything, printed everything, boxed everything and shipped it to the printing plant. We couldn’t press the record ourselves because there is a lot of legal liability, and we’d have to get a job at the pressing plant, basically. We would if we had time, but we weren’t able to. We physically touched them all and stamped them and wrote on them and sweated on them.

A part of each other - a Ryland Bouchard interview

Il y a dix ans paraissait "They Ate Themselves", le premier album de the Robot Ate Me. Venu à ce groupe de proche en proche grâce à son label Swim Slowly (celui de Bedroom Heroes, quant à eux découverts via epitonic.com), je me souviens qu'une poignée de secondes auront été suffisantes pour que je m'attache à cette musique pop/folk expé délicate, et que je commande le disque.

Aujourd'hui, il reste pour moi comme l'un des meilleurs disques des 00's (cf. page Hit Parade). Depuis cette époque, j'ai naturellement suivi la trajectoire du groupe, puis celle en solo de l'homme derrière tout ça, aka Ryland Bouchard (déjà évoqué ici-même, lors de sa venue parisienne début 2oo9).

Vendredi dernier, il publiait sur son tumblr le message suivant :

The Robot Ate Me - “A PART OF EACH OTHER”. A preview of the upcoming album, written and recorded on Guemes Island, WA in 2012. Recorded by Ryland Bouchard with Tony Ruland (guitar) and Chad Matheny (drums).

[Flash 9 is required to listen to audio.]

Disons-le, c'est quand même LA bonne nouvelle de cette fin d'année... (de nature à différer la rédaction de mon top de fin d'année)

Les infos étant minces, et la parole de Ryland Bouchard rare, je me suis décidé à lui en demander d'avantage, ce qui amène finalement l' e-mail interview ci-dessous

(réalisée pour Arise Therefore, donc).

Where do you live now? On Guemes Island? How is it?
According to some photos you've posted on your tumblr, it looks like a very nice place...

I live on Guemes Island off the coast of Anacortes, WA. I moved here in March and it was the best decision I've ever made. The island is only accessible by ferry so there's only about 200 people that live here. The roads are quiet and people are extremely friendly. Walking around here is like moving back in time about 100 years where the landscapes were natural and people were happy. Living here I spend time outside in the garden, go to the beach, forage for mushrooms and work on music. I rarely see other people and avoid technology, which has been quite nice.

Anacortes (Etat de Washington), sur Google Maps.
Petit tour d'horizon musical : Anacortes est la ville d'origine de Phil Elvrum. Juste au Sud, Le Mont Erie... Plus loin, dans la même direction à 130 km, Seattle [Nirvana]. Immédiatement au Nord, Guemes Islands [Ryland Bouchard]. Encore plus au Nord, au-delà de la frontière canadienne, Vancouver [Destroyer]. A l'Ouest, toujours au Canada, Victoria [Frog Eyes]. Le mieux serait encore que vous vous familiarisiez avec les environs à partir de ce lien googlemaps.

Is Anacortes where you came to know Tony Ruland (guitar player on the next Robot Ate Me album, but also in a band called the Lonely Forest) and Chad Matheny (drummer on the next Robot Ate Me album, but also releasing music as Emperor X)?

I met Tony Ruland while living in the Department of Safety in Anacortes (an old Firehouse turned music venue/art space). The two of us lived with six girls (who were all constantly fighting) in the freezing building without predictable heat or hot water so we naturally became friends. We've stayed in touch over the years and it's been wonderful to see his band grow musically over the years. I'm constantly amazed at all the creative energy that comes from this small town in WA. There is an unexplained "magnetic disturbance" off the coast of Guemes Island, so it's possible that explains something...

Chad Matheny and I met prior to a short tour in Mexico where we played several strange shows together. I had no knowledge of his music before we met, but quickly realized he was not only a wonderful person but brilliant musician. After our tour in Mexico we toured together for months across the US in my old '78 Peugeot 504 that continually broke down, but still managed to survive the tour! That was a difficult time. I had just released "Seeds" and spent all my money on the packaging for that release - and had nothing left to spend on promotion. The tour went on for 6 months (including dates in Europe) and Chad played all the US shows with me. To this day he is still one of the nicest and hardest working musicians I know.

Same question with Phil Elvrum (the Microphones, Mt Eerie...) Have you ever played music with him?

Phil and I both work excessively when we are in town so we rarely see each other - but I have nothing but respect for his work ethic and music!

I'm writing these questions down, while listening to "They Ate Themselves". It was released ten years ago ! What are your feelings / thoughts over this decade?

That's funny you mention "They Ate Themselves" - today I was at the "Coop" about an hour from my house (a place that sells food from local farmers) and the person at the register introduced himself and said "They Ate Themselves" was still one of his favorite records.


I am very thankful for the last 10 years, having spent most of it travelling, meeting new people and learning about various cultures in a very personal way - and that all this was possible because of music. I believe that if most people had the opportunity to travel as I have they would realize that we are all very similar and need similar things for happiness and survival. The differences that divide people are often imaginary and trivial.

What made you consider reactivating "the Robot Ate Me" ? 

"The Robot Ate Me" started as a project for experimentation and will remain the outlet for my more experimental work. People are okay with experimentation from a band, but not from a folk singer. Similarly people expect a folk singer to consistently release folk music. By reactivating "The Robot Ate Me" I'm just making things easier for people to understand.

So, what can we expect with the new album (not yet titled) ?

The new album was written over two years in various locations across the country. Depending on where I was living I collaborated with different people. Some of the songs were recorded with DL in Knoxville, TN (I Need Sleep / Dumb Lunch) and others with Chad Matheny (Emperor X) / Tony Ruland (The Lonely Forest) in Anacortes, WA. Each track was constructed and then deconstructed many times before the final version. In many cases none of the original tracks remain. My process was creation (or imagination) through elimination. Vocals were recorded and then the instrumentation was removed and restructured in different keys or relative majors/minors. Tracks were recorded and deleted to the point of near insanity with the goal of eliminating conscious thought. By working blindly you often stumble onto ideas greater than your own.

The process could be compared to the recording of Talk Talk's "Spirit of Eden" or Brian Wilson's "Smile". I dislike the sound of modern recordings that sound clean, perfect, and digital - so I spent what feels like forever slowly crafting this record on about 10 two inch 16 track tapes (about 30 minutes of music each) and then bouncing those tracks between various tape machines for the final version. In general, although the process has been tedious - the final results sound like nothing else - so it's a bit hard to make an honest comparison.

Let's be concrete : Release date? Formats? Nice packaging as usual?

The upcoming release is going to be exclusively digital. I expect the release to be available in the first weeks of December (if not sooner). No pre-order. I have some wonderful artwork in mind by a deceased Danish artist that is quite fitting for the new release.

I have tried everything (vinyl, CD's, MP3, box sets) and out of every format I now prefer digital because it allows me to focus on music and not be bothered by the "music industry" aspects of releasing a record. Friends of mine have been burdened with mailing out vinyl endlessly or negotiating contracts with major labels and I feel very fortunate to not have any of those worries. I value the tactile aspects of previous releases - but overall I believe digital releases are the future of music and everyone holding on to the past will die trying to preserve formats that are no longer relevant.

Will you come back to France?
Yes, I hope so!

Interview réalisée par e-mail le 6 novembre 2012, à la veille d'une séance de travail visant à la finalisation de l'album (à paraître en digital, début Décembre). Merci à Ryland Bouchard.

Ecoute / Achat :

music.rylandbouchard.com

De jolies photos des environs de Guemes Islands

rylandbouchard.tumblr.com

Moran State Park

Zone de Montagne (4)

C'était le 25 mars dernier, je publiais, dans le cadre de la rubrique Crossed Covers, une floppée de pochettes d'album sur le thème de la Montagne. Un après, en voici de nouvelles, puisque ce large thème est inépuisable.

J'en viens maintenant à la pochette de l'album "Black Noise", au sujet de laquelle j'avais contacté Hendrik Weber, aka Pantha du Prince, afin d'en savoir plus à son sujet.
(les crédits figurant dans le livret n'étant pas très explicites)

Elle représente la chapelle St Bartholomée, située au bord du KönigSee. C'est un sujet bien connu, rattaché au Romantisme allemand, et d'ailleurs récupéré plus tard pour promouvoir le nationalisme.
Pour ceux que ca intéresse (et qui parlent allemand), je reproduis dans les commentaires de cet article la totalité du propos, parce qu'il témoigne d'un choix réfléchi, allant bien au-delà de la simple considération esthétique que j'avais imaginée...

On termine cette fois, non pas en citant Cézanne, mais l'école dauphinoise (à voir au musée de Grenoble)

Loma Prieta, Dark Mountain 12" (Slave Union, 2009)
the Go Find, Everyobody knows it's gonna happen, only not tonite (Morr Music, 2010)
the Slow Life, be not afraid (Trace, 2008)
Mt Eerie, Eleven old songs by Mt Eerie
(P.W. Elverum & Sun, 2005)
School of Seven Bells, Alpinisms (Ghostly, 2008)
Shalabi Effect, pink abyss (Alien8, 2004)
Tindersticks, Falling Down a Mountain (4AD, 2010)
Lost In Hildurness, Mount A (12 Tónar, 2006)
Pantha du Prince, Black Noise (Rough Trade, 2010)
Charles Bertier, Vallée Vénéon au plan du Lac (1894)
Matt Pond PA, the dark leaves (Altitude, 1894)